高露迪近两年的新作于空白空间的第五次个展“杂志”展出。在空旷的展厅中，我们看到灰色的壁纸上，高挂画面中的明媚颜色，精准的比例角度，完美的质地与层次。我们觉得这些画面，完美简练而准确顺畅，我们通过这些完美的结果推演艺术家在创作时候的取舍与构想，动态与笔触，想象身体与画面空间的交流，想象他完成一部分后退到远处观察与思考的神态。经过这一些列系统联想，画面中的内容、构图、色彩、纹理显得更自在舒适了，似乎一切理所当然，顺流而下，一气呵成。

但，这其实是高明画家的计谋，他用完成好的画明目张胆地左右我们的思考，绝不能让我们看出他的破绽，让我们忘记在工作室纠结的他，徘徊的他，精神紧张的他，会犯错误的他。那个专注于笔尖，就连一点点椅子的剐蹭都能弄断眼睛与笔尖之间隐形连线的他。这些工整而美好的画面，其实才不是轻轻松松地顺流而下、行云流水般就抵达最终画面那洒满阳光的池塘；他是在一望无际的海面上，在浪来浪往中努力保持前进方向，以及不忘记最初被触动的时刻啊。所以，高露迪个展中完美画面仅仅是最后一步，我们应当把过程中的铤而走险，无畏地挥笔试错以及侥幸与偶发都考虑进去，才能明白这些平滑的、具有矢量感的画面是多么来之不易。

高露迪的画面素材大多来自于最最普通的网络图片，这些碎片化的日常物品，汉堡、香蕉、油菜、花朵的照片甚至都不会得来其他人多一秒中的凝视，因为它们太过于庸常、无趣。但，高露迪的聪明正是他可以从最无聊中找到了可以发挥的空间，通过颜料、画笔构造色彩、线条、形态、笔触对其加以回应，乐此不疲。他改造它们，甚至破坏它们，他将对色彩与形制的天分运用在使花朵、食物、人体器官焕发新生上。他为日常之物落款封印，并疼惜这些物品，在从前的那些囿于世俗的、沦于形式的、在无知与无意间流逝的时光。

他的画面永远有着高度的个人化风格，细微的变化只能离画面非常近才能发现那些巧思与努力。他拒绝了明显叙事性与强烈的抒情，仅仅保留艺术作为美的基本内核——形式。他将形式运用地灵巧与畅快，线条与色块，几何与质感，叠加与对立，纪律与混沌，这些碰撞为画面赋予了恰逢其时、令人信服的艺术灵光与魅力。对于无聊的物品的感受，来源于日常经验，在改造它们时，他充分调动所有感官（包括嗅觉），并在筛选与重组中卯足功夫，每个质地的变化都扮演着不同的身份，体现不同的情绪。他最终驯服了不同物象的异质性格，并让它们都呈现出高度个人化的视觉逻辑。

就像是保罗·克利画面里单纯感，高露迪的绘画也给我呈现某种单纯。他好像可以参透隐藏在物品下的古老的，超自然的美感与形式，分析出最中心的结构，让造型与色彩都为这个“结构”倾力服务。就这样，这些最平常的物品的现实属性被冲淡，也许都很难辨认，观者的固有认知便自动被抛开，但这种在明媚色彩下的模糊状态是令人享受的。

事实上，立场早已通过他的绘画被折射出来。那就是在一个自我创造的世界里，力图以此描绘转瞬即逝的现实，或更准确地说，是经过选择的现实的片段与生活经验。原来事物的特定性被升华，最终显现的反而是一种非空间与非时间的单纯的美。他以现实为托辞去思考绘画的潜能与内核，并以平面、几何、色彩与线条等最基本的绘画手段向绘画本身发起挑战。我记得高露迪说过他想要影响其他艺术家。

展览将持续到5月5日。